Alicia Scherson vuelve al Festival de Tribeca luego de 21 años desde la presentación de su película “Play” y lo hace con una adaptación del “El Tercer Reich” el libro póstumo de Roberto Bolaño.

“Summer War”, el nombre que tiene el filme, se presentará en la competencia internacional del festival. La película ocurre en el verano de 1989 donde recién Chile volvía la democracia, pero el dictador Augusto Pinochet seguía en el país, por lo que el miedo aún estaba presente en la sociedad.

Son dos turistas los que aplican esta inflexión en el filme. Ingrid (Lux Pascal en su primer protagónico para Chile) y Udo Berger (un espectacular Dan Beirne), quienes vienen en búsqueda de aventuras propias de unas vacaciones y se encuentran entre la oscuridad de lo que ocurre en el país y las dinámicas de playa que los hacen estar en este precario equilibrio entre el thriller y la comedia.

En el contexto de su próximo estreno el 7 de junio, pudimos hablar con su directora, quien virtualmente se conectó desde Nueva York para contarnos los pormenores del detrás de escena, su relación con Roberto Bolaño, su trabajo con Lux Pascal y Dan Beirne, además de analizar el mundo que estamos viviendo entre la guerra, los hombres y su intención de hacer una película alejada del “snobismo” visual y narrativo.

Guerra de Verano: la entrevista

Spanglish Cinema: Me gustaría ir desde lo más general a lo particular y tengo mucha curiosidad por saber cuál fue tu primer encuentro con Roberto Bolaño y qué fue lo que te cautivó de él, porque esta es la segunda vez que te encuentras con él dentro de tu filmografía

La realizadora narra que siempre fue lectora de Bolaño, pero nunca andaba buscando algo para adaptar. Escribía sus propios guiones y no era su intención buscar en él algún tipo de escrito para hacer. Pero a sus manos llegó “Novelita Lumpen” y fue ese poco leído escrito del chileno que la cautivó, además uno de los pocos que tienen a una mujer como protagonista. Se convirtió en una obsesión. No distinta a la que te lleva a escribir un guion propio, me comenta.  

“Hay una fuerza, algo que te llama y uno sigue ese llamado con ese entusiasmo, con ese impulso. Son esas ganas con que llevas adelante un proyecto, yo creo cualquier proceso creativo es muy parecido, nunca pensé que iba a seguir adaptando después de eso era como un proyecto específico, pero bueno, ese universo de Bolaño me atrapó, me tocó también me el aniversario de la muerte en 2013 me tocó de asistir a muchas ferias literarias, me fui empapando un poco con sus archivos durante muchos años en el mundo de Bolaño. Es como un universo que te atrapa y cuesta salirse y un poco en ese contexto leí esta otra novela y de nuevo, pero no premeditadamente y de hecho no voy a ser más bolaño (ríe)”

Es en ese mismo contexto que dice que es más fácil para ella adaptar estas novelas menos leídas o póstumas del autor. Le da más libertad porque es mucho más fácil para adaptarlas en el sentido de brindarle mucha más libertad.  “Yo jamás adaptaría una de las grandes obras maestras que son como intocables”, continúa.  

Respecto a qué le llama la atención de Roberto Bolaño – y al describirle su oscuridad y el humor presente en sus libros- la realizadora dice que es el humor es por lo que le gusta: “Bolaño en cualquier frase, en cualquier párrafo por más oscuro que sea siempre pone alguna palabra o algún chiste escondido, siempre está ahí y eso es lo que nunca te deja hundirte hasta el fondo y eso a mí me engancha, yo no podría hacer nunca una película seria. O sea que no tuviera un chiste, yo no puedo ver una película que no tenga un chiste o más de uno, en distintos niveles. Puede ser un chiste de diálogo, puede ser un chiste visual, pero para mí esa es la manera que nos salvamos. Yo creo en lo que dice Italo Calvino en un libro que para mí es como de cabecera que se llama “6 propuestas para el próximo milenio” que ya es este milenio, claro, que lo escribió antes que cambiara el milenio. En él hay un capítulo sobre la ligereza y él define la ligereza, no como la ligereza digamos como superficialidad, sino como algo tan potente que puede elevarte como un avión, ese tipo de ligereza”.

Claro, es como un humor catártico que te ayuda a ver la sociedad de una manera más real pero también sin hundirte.

Exacto, continúa Scherson, sin hundirte bajo el peso del mundo y un poco ese es como como la lucha no el mundo es un lugar muy pesado ahora más que nunca, dice. La cineasta afirma que estamos frente una ola de un mundo muy pesado y que no nos podemos hundir.

Bueno, eso se relaciona mucho con la segunda pregunta que te quiero hacer porque el Festival de Cine de Tribeca nace desde ese espíritu de comunidad frente a una fractura social muy grande que tuvieron de mucha pena y pérdida- después del 9/11- nace el arte como un apoyo a creer nuevamente en este tejido social. Tú ya estuviste en Tribeca con “Play” y después estuviste nuevamente en Estados Unidos, pero en Sundance ¿cómo ha sido volver nuevamente a este festival que te acogió por primera vez?

AS: Tribeca siempre va a tener un lugar en mi corazón, porque es un festival que seleccionó “Play” cuando no me conocía absolutamente nadie, ni yo conocía a nadie, en una época muy pre- internet así que no estaba toda la información. Yo veo ahora que los estudiantes saben al revés derecho la lista de festivales, los más importantes, los A, los B, todo. Yo no tenía idea y tenía una película que había hecho así muy de la nada en un momento que el cine chileno no existía realmente en el mundo y por una casualidad la vieron y quien era el director en ese momento me mandó ese correo maravilloso hablando de película. Era la primera vez que me pasaba algo así, que alguien de otro país “a pito de nada” me escribiera un texto increíble y largo, así que dije ya no importa cuál es el festival más importante donde más se venden, yo voy para allá porque ahí me quieren y terminamos ganando el premio mayor.

“Creo que desde ahí para adelante pude ser cineasta digamos como oficio, porque fue como el primer espaldarazo que alguien me dio. Es muy bonito volver 21 años después, en otro planeta”

Me llama mucho la atención y me gusta mucho cómo abordaste el tema de los finales de los 80 y de los 90 e incluso desde cuando comienza la película con los créditos tú ya estás inmerso en otro tipo de lugar entonces me gustaría preguntarte cómo fueron esas decisiones estéticas para hacerte esa inmersión

AS: En principio el trabajo con el director de arte Sebastián Muñoz. Acá había dos épocas, fin de los 80 en chile con un año muy particular porque el año 89, bueno tú lo sabes ya había ganado el NO a Pinochet sin embargo se quedó un año, que es una cosa de lo más absurdo digamos, que ahora uno lo piensa para atrás y cuestiona la locura de país que somos, cómo permitimos que se quede un año. Entonces era un año de una desconfianza terrible donde estábamos abriéndonos al mundo por primera vez, que llegaban los conciertos, las marcas, pero todo igual desde una espesura y un control central que todavía estaba presente la mano negra. Entonces eso era muy importante, cómo hacer esta época con esa mezcla… con esa tensión y eso tenía que ver mucho con el encuadre. Hay unas fotos de un fotógrafo norteamericano que estuvo por chile, por Latinoamérica en esos años que nos sirvieron de referencia para todo. Tiene unas fotos del chile de los 80´s y en perú que son alucinantes, de playas que tienen toda esta carga ¿no?, de estos países, estos veranos como súper alegres pero que también escondían mucha oscuridad.

Luego hay otra época que entra también, continúa narrando la directora, que es la de la segunda guerra mundial, que está en todos los archivos y en los créditos entonces son como dos estéticas que están compartidas en la película la ochentera y la de los años 40 que tiene que ver con el cine de los años 40, la música hay algo como clásico en la película también en la manera en que está filmada en la manera que está narrada con voz en off, eso tiene algo como de los años 40, entonces un poco en que esas dos esas dos fuentes se unieron para formar la estética.

Me gustaron mucho tus decisiones de utilización de cámara y pantalla. En algunos momentos pantalla vivida o cuando vemos cuando se abre esa ventana y la cámara va muy lenta hacia el mar o también poner el iris, el círculo dentro de la pantalla entonces esas también fueron dentro de esta misma línea de conversación como de crear esa mixtura que me dices de los 40 y 80

AS: Sí, porque todo esa ese recurso cinematográfico tipo los iris, son muy del cine clásico, pero también si tú te fijas y en los 80 también se jugaba mucho con la entrada de los recursos de vídeo que estaban empezando. Si ves por ejemplo vídeos musicales de los 80 están llenos también de circulitos, de cuadrados, de pantalla dividida, entonces como que había un eco curioso entre los 40 y los 80 en ese tipo de recursos. Es también un poco parte de esa ligereza que hablamos antes, tiene que ver con ser capaz de hacer cosas que dentro de un cine como más de canon de cine arte o cine de autor más serio no se hacen, como que esas cosas son como un cine como basura, entonces a mí me gusta como incorporar esos elementos.

Podemos hablar de tu decisión de casting. Sé que está Carla (Hool), también ahí acompañando, pero sobre todo sobre Dan- yo lo había visto como parte de los amigos en Priscilla- pero no lo conocía muy bien y sé que aprendió español para esta película y también Lux que va a tener su primer protagónico dentro del cine chileno que es tremendo.

AS: Bueno el reparto de Udo fue el más difícil porque el personaje era muy complejo justamente por esta mezcla entre humor y drama. Entre ser un imbécil y ser querible, yo estaba muy preocupada de cómo encontrar porque si fallaba en eso la película se iba a ir o a una comedia de gags o a una cosa así seria, oscura, y caminar en ese filo dependía demasiado del actor correcto. Fue un casting abierto, como bien dices con Carla Hool, en que se llamaron actores de distintos lados, porque tampoco yo tenía un actor comercial conocido que yo dijera esto lo podría hacer tal, realmente era un personaje que yo no había visto así. Claro yo decía quizás podíamos pensar en un John Turturro, pero ya no por la edad y al principio ver cómo planteó como hacían las escenas y cuando llegó Dan, fue obvio, no lo dudamos ni un segundo y le dio en el clavo tiene a lo mejor algo de su propia personalidad, tenía algo de Udo y además es un actor que me sorprendió por su profesionalismo. Yo nunca había trabajado con un actor tan riguroso, aprendió todo en español sin perder la frescura y la interpretación, además él estudio cine antes, entonces es un actor que llevaba su propia continuidad, que sabía mucho de cámara, de cinematografía entonces era muy fácil trabajar con él porque era un trabajo infernal. Un rodaje latinoamericano, con pocos recursos, con muchos días y con muchas horas y él está en el 100% de las escenas, entonces para él fue extenuante realmente y tuvo una disposición maravillosa.

Lux Pascal y su naturalidad perfecta para el papel

Lux fue una idea que llegó de repente, dice la cineasta. “Necesitábamos una novia norteamericana y no se nos ocurría quién. Yo había trabajado en Héroes Invisibles una serie con ella y sabía que era una actriz excelente así que fue fantástico cuando se quiso sumar a este rol de los 80 y lo hizo con mucho humor, aportó un montón de ideas.”

Genial su acento como español en gringo

Es que compartía este conocimiento bien profundo de Estados Unidos, pero también de chile entonces eso ayudó mucho con los juegos del acento, dice Scherson.

Un rodaje latinoamericano: Chile y Uruguay

AS: Fue un rodaje bastante largo, el hotel fue en la parte uruguaya porque es un hotel fantástico que está en otras películas porque es un hotel increíble. Eso era lo más importante de encontrar, porque está congelado en el tiempo y combina eso de los años 40, con el estado que está en los años 80. Yo no quería un hotel ochentero sino un hotel más clásico, recordemos que Udo lo conocía desde su infancia entonces es un hotel antiguo y Uruguay tiene esa gracia, que han sido mucho más lentos en su en su desarrollo inmobiliario que por ejemplo chile está todo destruido, entonces todavía existen espacios como ese que están detenidos en el tiempo, una locación exquisita y luego la coproducción bueno fantástica entre todo Conosur, Argentina, Chile, Uruguay, con talentos geniales, montaje argentino y fotografía argentina, gran parte del equipo uruguayo y luego el resto de los creativos chilenos una mezcla muy buena.

Una de las cosas que me gustó mucho y que puede ser como sutil y una percepción totalmente mía, pero a través del juego tú te vas dando cuenta del juego de guerra y estrategia es un poco que los hombres siempre están en pie de guerra de algún como cómo exploraste eso dentro de lo que fue la adaptación, pero también darte cuenta de que siempre puede haber una guerra desde un ego, desde un poco lo que estamos viviendo hoy.

AS: Es como una investigación, está esta semilla de violencia que está ahí latente y creo que, para Bolaño, era jugador de juegos de guerra siendo un escritor y totalmente pacifista entonces yo creo que una contradicción que para él mismo debe haber sido un tema, aunque no está explícito y para mí como mujer obviamente es otra la manera en que lo interrogo ahí. Encontramos esa cita de Margarita Durán con que empieza el film que dice “todo hombre se esconde un legionario”, claro eso es dentro de un diálogo súper feminista de esos años con mucha más bronca contra los hombres y que para mí es más bien una gran duda de cómo entender ese impulso que es muy por lo visto eterno no natural y cómo entenderlo cómo amigarnos con él.

La cineasta reflexiona sobre esto también desde su propia experiencia personal: “Yo tengo un hijo hombre. Tengo dos hijos un hombre y una mujer, entonces también como mamá pensar qué hacemos con esa energía, qué hacemos de positivo con esa energía, cómo la logramos entender. También es una pregunta abierta, yo no te puedo decir que por la película lo descubrí, pero sí pude ir investigando un poco y qué bueno que lo notaste porque claramente es algo muy central en la película y no quería ser hecha desde ningún tipo de actitud como anti-hombre como doctrinario. Es útil a la reflexión, pero claro estos hombres jugando la guerra son los que tienen el mundo ahora como está también, está esa pregunta por la culpa o inocencia que también es una pregunta abierta”

Muchas gracias por esta conversación, Alicia.

La película Summer War tendrá su estreno en el Festival de Tribeca la próxima semana el día 7 de junio en Nueva York.